Cage, John 凯奇 钢琴曲集 凯奇, Cage, 钢琴, 乐谱, 现代乐派

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约翰·凯奇（John Cage, 1912-1992）



约翰·凯奇，美国作曲家，众所周知，他是现代先锋音乐的启蒙、创始人、鼻祖之一，在多年的音乐实验创作中，他几乎开创并涉足了当下的实验/前卫音乐的所有领域。1912年9月15日，凯奇生于洛杉矶，先后从迪伦（Charles Dillon）、列维（Lazare Levy）、布林（Richard Buhling）学习钢琴，从考威尔（Henry Cowell）、瓦列兹（Edward Varese）、勋伯格（Arnold Schoenberg）和魏斯（Adolph Weiss）学习作曲。1936年开始在西雅图和西北部组织打击乐合奏和音乐会。1937～1939年间在西雅图的柯尼什学校（Cornish' school）工作，任舞蹈课钢琴伴奏。在哪里他组织了一个打击乐小组，举行了一系列绘画展览，为舞蹈家教授了不长时间的音乐作曲课程。1941～1942年在芝加哥设计学校教学，以后移居纽约，组织音乐会并开始与舞蹈家默斯·库宁汉（Merce Cuningham）合作。1950年，他开始与钢琴家大卫·图德（David Tudor）密切合作进行广泛的巡回演出。1948～1952年暑假还在北卡罗来纳州的黑山大学进行讲学活动。凯奇分别于1950年、1955年与现代艺术家罗伯特·劳森伯格和泰斯帕·约翰斯（Tasper Johns）相识。1954年开始定期巡回演出和举行音乐会，并与库宁汉舞蹈团一起露面，任音乐指导。这些活动对他的创作起了重要的促进作用。1959年作为真菌学专家，成为纽约真菌学会的发起成员。他还设想并帮助组织了表演艺术基金会和默斯·库宁汉基金会。从1966年以来，他任辛辛那提大学、伊利诺斯大学的高级研究中心和在戴维斯的加州大学的在校作曲家。1968年被选入国家文学艺术研究院。

凯奇的创作和作品很难被列入任何传统的范畴或体裁。实际上，他的音乐特点是不断出现新的技术、思想和品种，努力改变所有那些曾经被人们人为是体现得很充分的东西。早期的创作中，钢琴和打击乐音乐占主导地位，从50年代开始创作磁带音乐、现场电子音乐和非指定音响源和演奏者树木的作品。30年代早期的作品是半音的，音的数目限制在25个音的范围内，通常是三个声部的对位，带有尽可能远的个别音的重复，与后来1935～1938年间的作品中带有戏剧性和动力性的特点相比，是安静和简练的。后来的一些作品有些是采用从他的老是勋伯格那里学到的一种序列主义手法，这些十二音作品采用固定的音、音列和节奏型，试图表现戏剧性和沉思的状态。从1939～1940年，他热衷于探寻新的音响和组织这些音响的革新方式，在使用电子机件来产生音乐音响方面他是以为先锋。他为打击乐合奏写的几首作品，强调刺耳的音响使人想起东方音乐。《起居室音乐》指示打击乐手选择日常家用器具，以此来产生音乐的音响。他的另外一个兴趣是在钢琴上发掘新的音响。这个音响资源最丰富的新乐器就是“加料钢琴”（prepared piano）。演奏者在琴弦之间放进螺丝、橡皮、小木块、塑料片、螺栓等东西，从而完全改变了钢琴的音响，使钢琴变成了一个人演奏的打击乐乐队，这些都是按照作曲家的指示进行的。这种钢琴最早作为独奏乐器的使用是在1938～1940年的《狂欢的闹宴》中。其效果非常吸引人。

凯奇新的结构原则与音色方面的创新相一致。渐渐地，这些原则是由节奏或时值而不是和声、动机或其他音高的因素来决定、从1939年的《幻想风景》第一号开始，他的音乐的基本布局是按照简单的数率事先安排好时值的次序。1939年的《第一结构“金属”》包括十六个部分，每一部分有十六小节，每十六小节又分别构成四小节、三小节、两小节、三小节、四小节的五个乐句。整首作品按4：3：2：3：4的比例构成。

1950年，凯奇的音乐忧郁东方哲学的影响和作曲过程中引进偶然因素，以及对传统的视艺术为一种交际形式的观点的疑问而发生了急剧变化。他把他音乐哲学的转变归根于对禅宗哲学、东方思想模式的一种强烈的意识。从这些来源中他发展了一种思想，即艺术必须是现实的一部分，艺术是人类的产物，必须模仿自然，自然和音乐艺术的共同材料是声音，它在音乐中的发展必须反映它在自然中现实，而这些声音的出现是无休止的，是无拘无束的，不是被人的意愿所促发的。作曲家作为一个美的事物的创造者，他的重要地位应该让给感觉声音的听众，任何把艺术和生活分离开来的做法都是不真实的，行不通的。

凯奇开始用偶然性作为在心理上和技术上的一种解脱方法，其作品开创了“非固定”原则，采取多种手法以确保偶然性，力求排除演奏者的个人趣味。他使用不固定数目的乐器，不固定数目的演奏者，记谱不做严格规定，乐句、乐段的先后次序由偶然因素决定。他尤其依赖掷钱币等手法来选择作品的各种因素，对这种偶然性的运用的揭示来自中国的《易经》，这种手法的运用在1951年的钢琴独奏《变化的音乐》和《钢琴音乐》中表现得最为突出。他还特别强调无声的重要性，人为对人的耳朵来说没有完全无声这样的事情，因为总有声音是可以听到的。在他看来，一场音乐演出是表演者的活动和听众的注意力。因此，无声作为一步作品或音乐演出中的声音，在他的作品中占有突出地位，最激进的作品就是《4'33''》。

凯奇在他早期的作品中就使用了电子音响，但1952年的《幻想风景》第五号是他在磁带上录制的第一部作品。同年的《威廉混成曲》是一步更复杂的作品，600盘磁带录制了各种音乐和非音乐的音响。他对音乐戏剧因素的兴趣表现在《水的音乐》、《戏剧小品》、《卡特里奇音乐》和《HPSCHD》等作品中，在这些作品中表现出他对音乐表演中视觉因素的重视。

凯奇是美国先锋派音乐的中心人物，他的作品和美学思想对世界音乐产生了影响。特别是第二次世界大战以后，在打击乐和噪音的使用、作曲和表演中偶然性个不确定、新的记谱法、现成电子音乐等方面，为音乐开辟了一个新的领域。他在数所大学中授课，对不少有成就的作曲家，如布朗、席勒、费尔德曼产生了重大影响。

1992年，凯奇与世长辞，他到另外一个世界里，去为自己的音乐溯源了。

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凯奇的《4分33秒》4'33'' ，无声音乐，为任何一件或数件乐器而作，作于1952年。此曲的创作意图是，钢琴演奏者（也可以是任何一件乐器的演奏者）一动不动地在键盘前静坐4分33秒，只在规定时间打开和关上琴盖，以显示三个乐章的区分。凯奇的目的是让听众在无声之中听现场发生的无目地的、偶然的声响，也许是一声咳嗽，也许是移动脚的声音，甚至人们自己的耳鸣，以参悟其在《无言》中的哲学观念：“音乐是一种有意的无意义，或者说一种无意义的游戏。”

这部作品的创造与演奏，是后现代音乐以其自身的自我表演去实现它对传统音乐的一种批判。首先批判了传统的“乐音”概念本身。在二十一世纪以前，西方的音乐对声音的探索，基本是建立于有规律的振动的乐音与不规则振动的噪音之间的区别的基础上。所谓音乐，就是依据有规律、有规律振动及其调和的原理，以音乐的高低、强弱、音色的节奏、旋律及和声合理的配合而成的一种艺术。因此，传统音乐把节奏、旋律、及和声当成三大基本因素。而凯奇这部作品却没有出现任何乐音，更谈不节奏、旋律、及和声。在这部作品所展现的，是一种非乐音的寂静及时空结构。听众其期待的心情所期盼听到的“音乐”，不像传统音乐那样演奏的出现。而这《四分三十三秒》所开辟的寂静时空正提供了一个自由想像的世界，使得作者、演奏者和听者三方，感受到这样新的世纪中“一切可能的事情都可能发生”。一切都深深的感染着身临其境。于是，这里提供的“寂静”时空，成为了最大音乐创作何欣赏的时机总汇。

凯奇所提出的，从根本上说是，推翻文艺复兴以来西方艺术基本观念的彻底的革命。沟通思想与感情的艺术力量，使生活富有意义,通过艺术家个性的自我,表现了解普遍真理.这只是凯奇反对的观念中的几项内容”。他继续指出：“凯奇提出一种由偶然性和不确定性产生的，其中尽力消除艺术家本人个性的艺术，来代替由个别艺术家的想象力．趣味和欲望创造的自我表现的艺术，他竭力提倡的是在我们日常生活中进行艺术发现的永恒的过程；而不是艺术杰作的积累。”

凯奇的影响已超出了音乐的范围。实际上，在采用多种表现手段的演出活动方面，他的音乐也超出了音乐的范围。在这类演出活动中，景象，声音可能还有气味和触觉同时向人们的各个感官袭来。不可否认的是，他在本世纪的下半叶事先进行了很多革新，率先“把音乐从音符中解放出来”。

下面是作曲家亲笔书写的《4'33'》的乐谱手稿。

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《为加料钢琴而作的奏鸣曲与间奏曲》Sonatas and Interludes for Prepared Piano ，作于1946～1948年，1949年由阿加米亚首演，曾成为当年的重要事件，被赞为“拓展了音乐艺术领域”，获得了古根海姆基金、美国国家与文学学院奖金。

凯奇在1945～1946年间，随沙拉布海学东方哲学，随铃木大拙学禅，开始把东方哲学思想渗透进其创作。凯奇自己说，此曲“尝试表现印度传统上的永恒感情、英雄主义、色情主义、惊叹、愉悦、悲哀、恐怖、愤怒、厌恶以及那种追求平静的倾向。”此曲呈献给钢琴家阿杰米安，全曲结构由题名为奏鸣曲的十六首小曲（每四首为一组）及题名为间奏曲的四首小曲构成。使用的钢琴88键中有一半变了音，塞入螺钉、螺帽、橡皮、塑料片等，在1-4号奏鸣曲后，插入间奏曲1；5～6号奏鸣曲后，插入间奏曲2；7-8号奏鸣曲后，插入间奏曲3；9-12号奏鸣曲后，插入间奏曲4；然后是奏鸣曲13-16。其奏鸣曲均为三段式，‖A∶‖∶B∶‖或‖∶A∶‖∶BA∶‖，后者的A'变调。《第六奏鸣曲》结构为‖∶A∶‖，第九、十、十一奏鸣曲为‖A∶‖B∶‖C∶‖的3段式，凯奇说这是前奏、间奏、后奏。第十四、十五号奏鸣曲为仿利波德(Loppold)《双子座》的形态，间奏曲均为动机陆续变形的形态。

此曲演奏起来只需70分钟，但钢琴准备起来却需2-3个小时。

凯奇的音乐创作往往是一种突发奇想之作，为其老师的作曲家勋伯格就曾说：“与其说凯奇是位音乐家，还不如说是位发明家。”凯奇为加料钢琴所写的音越正是二十世紀对于钢琴乐器的解构，虽突显了他对印度教信仰思想的投射，但却更深沉地触及了乐音“音响性”的核心，与“后现代性”思潮的精神內涵。

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《变形》Metamorphosis ，作于1938年。凯奇在这部作品中最后一次使用了乐章连续演奏以及对位手法。他说：“整个作品中的各乐章和变奏曲并没有什么关系，作品在各乐章衔接的地方就转调了。” ( "wholly composed of row fragments never subjected to variation. The transpositions of the fragments follow the intervals of the series" ) 作品共有五部分组成，不间断演奏。

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《梦》Dream ，作于1948年，2/2拍，自由速度。乐谱上标明：“持续共鸣；无休止；按谱上标明的标号使用踏板或手指维持音的持续。”乐谱使用单行记谱。

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《世外桃源》In a Landscape ，又译“风景”，作于1948年，是为钢琴或竖琴而作，题献给路易斯·利鲍德(Louise Lippold)。3/4拍，主要由简单的琶音构成，色调变化细微。

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两个乐章的作品《追求》Quest 是凯奇为玛莎·迪恩(Martha Deane) 的一段舞蹈所作，作于1935年。其中第一乐章是为各种不同的扩音设备即兴而作，第二乐章则由钢琴独奏。第二乐章的乐谱直到1977年方才得以出版。该作品以其极度不和协的和声而著名。

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凯奇作有两组名为《两首钢琴小品》的作品，分别作于1935和1946年。

《两首钢琴小品》Two Pieces  for Piano ，作于1946年。以其特殊的小节划分为标题。在和声上使用了他在乐队作品《四季》The Seasons 中曾经使用过的手法。可以说这两首小品是《四季》中的场景速写。

1. 3-5-2 ，素材来源于《四季》的“第一前奏曲”。

2. 2(1/4)-3(3/4)-1(3/4)-2(1/4) ，素材来源于《四季》的“冬”和“第四前奏曲”。

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《两首钢琴小品》Two Pieces for Piano ，是凯奇师从勋伯格一年后所作，作于1935年，并于1974年修订，是凯奇早期钢琴音乐的代表作。这两首小品均无标题，小节线划分不规则，且左右手各不对称，简短而有趣，其中可见勋伯格对其创作的影响。

1. 慢板 Slowly

2. 甚快板 Quite Fast

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《险恶之夜》The Perilous Night ，又译“危机四伏之夜”，为加料钢琴而作，作于1943-1944年，共由六段无标题的音乐组成。这组钢琴作品是在凯奇即将跟自己的爱人森雅（Xenia）离婚前而作的，因此它反映出凯奇当时的伤感、失落和不安的情绪。作品的标题源自爱尔兰的民间故事，它概括了整个作品所表达的内容：一对曾经长相厮守的夫妻因为感情破裂而最终分开后孤苦伶仃的痛苦内心，以及沉迷色情生活的空虚和恐慌。这间接反映了作曲家当时的生活写照。